“Pop es una consigna ingeniosa, irónica y crítica, una réplica de los slogans de los medios de masas cuyas historias hacen historia, cuya estética condiciona los cuadros y la imagen de la época, y cuyos clichés «modelo» influyen en las personas”. Tilman Osterwold

¿Qué es el arte pop?

El arte pop (Pop Art) es un movimiento artístico surgido a mediados del siglo XX, que consiste en una manifestación plástica de la cultura popular, de la cual toma su nombre (pop es una abreviación de popular), caracterizada por la influencia de la moda, el consumo y la tecnología. Es decir, con el Pop Art, el arte dejó de ser refinado y exclusivo, para convertirse en objeto de consumo masivo.

Contexto histórico y surgimiento del arte pop

Se puede decir que la esencia del arte pop es norteamericana, pues mucho de este movimiento refleja el “american dream”; sin embargo, surgió en Inglaterra y más tarde en Estados Unidos, a mediados de la década de 1950, época en que el capitalismo vivió un tremendo auge en la mayor parte del mundo occidental, lo mismo que las grandes tecnologías de la consolidada sociedad industrial. El arte pop surge, por lo tanto, como respuesta a las corrientes abstractas, provenientes del dadísmo y el surrealismo, aparecidas en medio de la guerra y la precariedad económica.

Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, Europa quedó devastada, pero el sueño de reconstruir cada una de sus naciones creció para convertirse en realidad hacia 1955; época en que dicho continente volvía a aparecer en la escena económica internacional con Estados fuertes y sólidos. Por su parte, en América, los resabios de la Gran Depresión estaban quedando atrás y el sueño americano de libertad y riqueza había surgido con fuerza en el corazón de los jóvenes que ya no recordaban los horrores de las grandes guerras.

Durante este periodo histórico, la creciente clase media, concentrada en enormes urbes, comenzó a preocuparse por alcanzar una vida cómoda y adquirir productos de vanguardia tecnológica, que facilitaban las tareas domésticas mientras daban “libertad” para “divertirse”. Del mismo modo, la gente se interesó por la lujosa vida y los escándalos de las estrellas de la farándula como James Dean, Marilyn Monroe, Elvis Presley y hasta algunas figuras de la vida política, como John F. Kenedy y su esposa, Jackie, quien se convirtió en un ícono de la moda femenina.

Este contexto, de aparente esplendor, permitió el surgimiento de un nuevo tipo de arte, más sencillo y democrático; menos elitista y más popular. El arte pop floreció como una reacción al arte abstracto, considerado por las masas complicado, sofisticado y alejado de su mundo; por ello, la nueva expresión de arte popular comenzó a utilizar objetos cotidianos y simples, con colores básicos y llamativos, generando gran interés entre el público, pues “apreciarlo” no implicaba mucha reflexión.

Algunos vinculan el origen de este movimiento con el Grupo Independiente, fundado en Londres en 1952, conformado por jóvenes artistas, escritores y críticos, quienes se interesaron en desafiar los límites tradicionales y clásicos de las artes, criticando la solemnidad del pasado e incluyendo en sus creaciones elementos populares y comerciales de la cultura.

Atribuirle a una sola persona la creación del arte pop es imposible, ya que éste fue resultado de una serie de expresiones provenientes de los medios de comunicación masiva, como la televisión, la radio y las publicaciones periódicas; la creciente industria publicitaria, los medios de producción, la moda y el nuevo estilo de vida; además de la natural evolución a partir de los movimientos anteriores y novedosas experimentaciones. Marcel Duchamp, Man Ray, Max Ernst, Yves Klein y Jean Arp, surrealistas y dadístas que comenzaron a utilizar elementos de la cultura popular en sus obras, son considerados precursores del arte pop; sin embargo, su objetivo era el desconcierto de sus espectadores y no la expresión de la cotidianidad.

Varios especialistas y estudiosos coinciden al afirmar que el primer artista en crear una obra pop fue el británico, perteneciente al Grupo Independiente, Eduardo Paolozzi, con su collage llamado I was a rich man’s plaything, aunque el propio Paolozzi consideraba dicha pieza aún como surrealista.

Por su parte, el término Pop Art es atribuido al crítico de arte Lawrence Alloway, quien lo utilizó en su ensayo The Arts and the Mass Media (Las artes y los medios masivos), para referirse al arte creado por la publicidad de masas; a éste, le siguieron otros críticos que impulsaron el término y finalmente el concepto fue popularizado por grandes revistas como: Time, Life o News Week, la cuales, durante los años 60s, dieron gran impulso al arte pop, lo mismo que importantes galerías neoyorkinas.

Características del arte pop

El arte pop se caracterizó por ofrecer objetos sencillos y concretos de la vida cotidiana, presentados en colores vistosos y brillantes, que reflejaban el optimismo de los nuevos tiempos, además de apropiarse imágenes de los ídolos de moda para darle a la gente lo que de por sí ya disfrutaba: un ideal de libertad, riqueza, glamour, democracia, progreso e industrialización. Por ello, varios elementos de la cultura se volvieron símbolos de dicha expresión, tales como el dólar, la bandera estadounidense, coca cola o las sopas Campbell’s.

La temática de sus obras está inspirada e influenciada por lo cotidiano, como la televisión, la publicidad, las ilustraciones y las revistas; medios de los cuales tomó ciertas técnicas, sobre todo de la fotografía y los carteles publicitaros, como las ampliaciones, collages, yuxtaposiciones o fotomontajes.

La repetición de motivos fue muy utilizada en este tipo de piezas artísticas, lo mismo que los conceptos de amor y la libertad, los cuales pasaron a ser temas importantes de la obra pop. Además, el Pop Art, comenzó a salir de las galerías para ser expuesto en nuevos soportes, como, anuncios publicitarios, empaques de alimentos, ropa, revistas y estaciones públicas.

Obras y artistas destacados del Pop Art

A continuación, expongo de manera breve a algunos de los artistas más importantes del Pop Art, sus obras más destacadas y el impacto que tuvieron en dicho movimiento, de acuerdo a su fecha de nacimiento y no a su relevancia en la escena del arte pop.

Richard Hamilton (1922-2011)

Este artista británico, perteneciente al Grupo Independiente, es considerado uno de los pioneros del arte pop. Su obra tuvo influencia del cubismo y futurismo, y de pintores como Cézanne o Duchamp. Hacia los años 50s comenzó a incluir en sus trabajos elementos y clichés de la cultura americana.

Una de sus piezas más importantes es: Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?, presentada en la exposición “This is tomorrow” de 1956. Este collage expresaba de manera irónica la fascinación por los símbolos y elementos principales de la clase media americana, con todo lo que hasta entonces había ganado importancia en la cultura, como la televisión, la moda, los autos, los electrodomésticos, etc. Una pieza que refleja muy bien la banalidad de los tiempos, a partir de elementos cotidianos, con lo cual influyó e inspiró todo el arte pop posterior.

Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?, Richard Hamilton

Just What Is It That Makes Today’s Homes So Different, So Appealing?, Richard Hamilton, 1956.

Roy Lichtenstein (1923-1997)

Roy Lichtenstein fue un artista neoyorkino que comenzó sus primeras obras en la década de los 40s, con influencia de Picasso y Branque; más tarde, su trabajo evolucionó y, aunque siguió haciendo arte con tintes cubistas y expresionistas, comenzó a integrar collages y tótems a su repertorio. Finalmente, en los 50’s se inició en el arte pop, pero fue hasta la década de 1960, cuando su trabajo ganó un estilo inigualable, pues empezó a agregar viñetas a sus obras y a experimentar con el puntillismo y la técnica benday para aplicar color, con el propósito de abaratar costos; lo cual devino en la realización de los cómics más icónicos del arte pop, que, a diferencia de los tradicionales, se centraban en el drama de la vida cotidiana y no en superhéroes. La obra de este artista alcanzó elevados precios pues, aunque los críticos consideraban sus creaciones vacías y vulgares, los coleccionistas mantuvieron en alto el nombre de Lichtenstein. Sus cómics son tan famosos hoy en día, que se han convertido en una de las mayores representaciones del Pop Art y de las más costosas. En 2012 una de sus piezas más icónicas, Chica durmiendo (1964) fue subastada por 44,8 millones de dólares.

Chica durmiendo, Roy Lichtenstein, 1964

Eduardo Paolozzi (1924-2005)

Paolozzi, fue un artista escocés, descendiente de migrantes italianos. Durante su juventud se estableció en Londres y perteneció al Grupo Independiente, donde expuso su collage “I was a rich man’s plaything”, considerado la primera obra de arte pop. Más tarde, este artista se centró en la realización de esculturas; sin embargo, sus trabajos con la técnica del collage, inspiraron notablemente el desarrollo del movimiento pop, por lo que es considerado uno de los pioneros y más influyentes personajes de esta expresión artística.

I was a Rich Man’s Plaything, Eduardo Paolozzi, 1947

Andy Warhol (1928-1987)

Sin duda, al hablar de arte pop enseguida nos viene a la mente, Andy Warhol, por ser uno de sus fundadores y mayores exponentes. El estilo de vida de este artista plástico era la perfecta representación de lo pop; convertido en un gurú de la modernidad, Warhol supo crear arte para las masas y ser adorado por los medios. Su influencia se extendió al cine, la fotografía, moda, literatura, música y publicidad, convirtiéndose en el artista más famoso de los años 60s. Warhol era una máquina de hacer dinero, como él mismo mencionaba en sus frases; durante su cúspide, prácticamente todo lo que emprendía daba excelentes resultados y cualquier estrella de Hollywood o aspirante a serlo duplicaba su fama tan sólo con haber sido retratada por Warhol. 

“Ganar dinero es arte y trabajar es arte y un buen negocio es el mejor arte ". Andy Warhol Clic para tuitear

Entre sus mayores aportaciones al arte pop están sus litografías y serigrafías en cadena, técnicas que utilizó para realizar sus obras más representativas y famosas, como su cuadro de Marilyn Monroe. Además, Warhol trajo a la escena del arte, por primera vez, simples representaciones y reproducciones de objetos del consumo cotidiano y comercial, como su lata Campbell’s, su botella de Coca Cola y su famosa Brillo Box, piezas que generaron que los críticos se cuestionaran qué es arte.

Finalmente, durante la década de los 80s, el trabajo de Warhol comenzó a ser tachado de superficial y únicamente comercial; sin embargo, no cabe duda que, gracias a él, el Arte Pop explotó como un movimiento de relevancia internacional que influyó en todas las expresiones artísticas posteriores.

Marilyn Monroe, Andy Warhol, 1962

Robert Indiana (1928-2018)

Robert Clark, mejor conocido como Robert Indiana, nombre que tomó de su estado natal, fue un importante artista pop estadounidense. Sus primeros trabajos son principalmente logotipos y señales de tránsito, que le permitieron desarrollar un estilo icónico, claro y simple; más tarde, comenzó a crear esculturas y cuadros protagonizados por palabras cortas, números y símbolos. Sus palabras favoritas eran: “love”, “amor” y “hope”, las cuales estaban muy a tono con el movimiento hippie que pedía el fin de la guerra en Vietnam a través de su lema “amor y paz”.

Su escultura LOVE de 1964, es una de las piezas más conocidas del Pop Art; desde que apareció ganó mucha fama, por lo que su imagen se reprodujo en camisetas, estampillas, carteles e incluso, algunas ciudades realizaron réplicas de la obra. Hoy en día, el auge de las selfies y redes sociales como Instagram, le han dado una nueva ola de popularidad a esta escultura, tan buscada para posar junto a ella y tomarse una fotografía.   

Love, Robert Indiana, 1964

Claes Oldemburg (1929-¿?)

Claes Oldemburg es un artista sueco, establecido en los Estados Unidos y es otro de los pioneros del arte pop. Sus obras, principalmente esculturas, se caracterizan por su enorme tamaño. Durante los inicios de su carrera realizó happenings con otros artistas de la época y más tarde abrió su propia tienda, donde vendía, principalmente, réplicas de alimentos y utensilios de cocina. A fines de los 70s se casó con Coosje van Bruggen y desde entonces trabajan en colaboración y firman ambos sus obras. Sus trabajos más destacados se encuentran en explanadas y museos alrededor del mundo y son representaciones de objetos cotidianos, como retretes o herramientas. Su técnica más famosa y original fue el uso de materiales blandos y baratos como telas, cartón, papel y lona, misma que rellenaba con estopa para darle cierta firmeza y forma, con lo cual generaba esculturas de gran tamaño y figura inestable.

Plug, Claes Oldemburg, 1970

Yayoi Kusama (1929-¿?)

Esta artista japonesa, una de las más importantes y originales de nuestro tiempo, es considerada una de las precursoras del arte pop de los años 60s. Kusama nació en Matsumoto, pero durante su juventud vivió en Nueva York, donde, junto a Warhol y Oldemburg, conquistó las calles y galerías neoyorkinas con happenings, performances, instalaciones y exposiciones que mostraban su obra minimalista, feminista, surreal y pop, influenciada por el expresionismo abstracto. Su arte se destaca por constantes repeticiones, uso de falos, lunares, colores intensos y brillantes, y elementos como espejos y otros materiales que la ayudan a generar la ilusión de infinitos.

All the eternal love I have for the pumpkins, Yayoi Kuzama, 2016

Peter Blake (1932-¿?)

Blake es un artista británico, perteneciente a la primera generación de artistas pop. En sus inicios retrató niños con cómics y otros elementos de la cultura popular, por la cual siempre se mostró muy interesado; después se concentró en el collage, aunque hacia la década de los 90s se inclinó por un arte más tradicionalista, enfocado en temas fantásticos. Su obra más destacada y representativa es la portada que realizó para el disco Sgt. Pepper ́s Lonely Hearts Club Band (1967), de The Beatles, misma que se convirtió en el ícono pop de toda una generación.

Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, Peter Blake, 1967

Keith Haring (1958-1990)

Este artista estadounidense, perteneciente a una segunda generación de artistas pop (algunos lo clasifican como neo-pop), es considerado el hijo pop de Warhol y Disney; estuvo influenciado por el rap, el reggae y el hip-hop, la cultura cubana y africana, e interesado en nuevas expresiones de arte urbano, por lo que comenzó a experimentar con el graffiti, un estilo que empezaba a ganar importancia en el escenario cultural y artístico de inicios de 1980. Desde finales de los 70s y durante la década de los 80s su trabajo fue ganando fama y reconocimiento, sobre todo por su importante arte callejero; llegó a pintar varios murales por el mundo y a plasmar sus creaciones en el metro y algunos productos. Su obra se caracteriza por trazos simples, líneas gruesas y bien definidas, que pronto lo llevaron a destacar como una gran promesa del arte. Lamentablemente el sida terminó muy pronto con su carrera.

Andy mouse III, Keith Haring, 1986

Neo-pop o arte pop contemporáneo

Gran parte de la estética del arte pop continúa vigente, sobre todo en las áreas del diseño gráfico y la publicidad; aunque sus técnicas han ido evolucionando hacia medios digitales, los principios son los mismos. En el ámbito tradicionalmente artístico, el Pop Art devino, desde los 80s, en Neo-pop, una expresión contemporánea, basada igualmente, en elementos de la cultura popular y los medios masivos de comunicación, pero que comprende que cualquier imagen, sin importar la época a la que pertenezca, la circunstancia o el propósito con el que se desarrolló, trasciende su discurso original y puede ser reinterpretada subjetivamente de múltiples formas; por ello, el neo-pop utiliza cualquier elemento para crear representaciones actuales del mismo, ampliando los horizontes del pop con la utilización de nuevos materiales e imágenes de todos los tiempos y también de personajes comunes y no necesariamente famosos.

Otra característica del neo-pop es que sus autores no se consideran a sí mismos superiores o distintos a los diseñadores o publicistas, sino que piensan que las barreras entre el “gran arte” y las meras expresiones visuales debe terminarse. El arte no es para las vitrinas, o únicamente para las galerías, sino que debe ser parte del mundo. Entre los artistas neo-pop más famosos se encuentran Jeff Koons y Takashi Murakami.

Jeff Koons, exposición 2019

Conclusión

Para muchos, el arte pop puede parecer vacío y superfluo, pero esto se debe a que es, justamente, el reflejo de una sociedad vacía y superflua que encumbró a sus ídolos y marcas, idealizándolos como lo más deseable de la existencia. Las comodidades, la tecnología, la moda, la libertad (de consumo) y la democracia, se enmarcaron como el estilo de vida posible más anhelado, y el dinero se presentó como el medio para alcanzar dicho modus vivendi y, por lo tanto, la “felicidad”.

Por ello en el arte pop han predominado colores brillantes, tamaños colosales y objetos comunes e inútiles, pues este arte se volvió el reflejo fiel de la humanidad y la vida; la primera cada vez más vulgar, más banal, más burda, más grotesca y más ávida de cosas; la segunda cada vez más “sencilla”, más “libre”, más “feliz”. Sin embargo; a pesar de la fe en la sociedad, en el Estado democrático, en la estabilidad económica, la prosperidad, el progreso, la ciencia y la tecnología, la humanidad siempre ha sufrido sentimientos de insatisfacción, frustración, soledad, desesperación, tristeza o ambición; por ello, las representaciones del movimiento pop terminan por ser irónicas y hasta críticas.

Gracias al Pop art, los cómics, la ropa, la publicidad, las copias, los grafitis, absolutamente todo se volvió susceptible de ser arte, y a su vez todo arte se hizo susceptible de ser un producto, lo cual obligó a la humanidad a replantearse la idea de arte, belleza y artista. Los exponentes pop prefirieron darle a la gente lo que deseaba y podía comprar, debido a la mentalidad consumista que dominó la realidad humana durante la última mitad del siglo XX y las primeras décadas del XXI. En la actualidad, el estilo de vida está cambiando gracias a nuevos movimientos que cada día cobran más fuerza, como el minimalista y el ecológico, que se contraponen al consumo excesivo y ostentoso; sin embargo, aunque las expresiones estéticas cambien en los años venideros, por siempre el arte pop habrá cambiado la percepción de las obras y la forma de hacer arte.


Fuentes bibliográficas

Pinilla Hurtado, S. (2012) El arte pop: amor y libertad. Revista Quid (19) 53-61.

Vite Tiscareño, E. (2010) Marcel Duchamp y el Pop Art: una revaloración de las vanguardias europeas en el arte norteamericano. Sociedades en crisis. Europa y el concepto de estética. 202-207.

Cuadrado, L. J. (2013) Pop Art. Revista Atticus, (20) 9-32.

Vida de Andy Warhol. (2019). Pittsburg, Estados Unidos: The Andy Warhol Museum. Recuperado de https://www.warhol.org/andy-warhols-life/

Bio. (2019). New York, Estados Unidos: The Keith Haring Foundation. Recuperado de http://www.haring.com/

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